Мысли Вжух #6: про пространство в современном искусстве и музей Гуггенхейма в Бильбао
На прошлой неделе я сгонял в музей современного искусства в Бильбао. Музей Гуггенхейма оказался супер крутой. Во-первых, само здание от современнего архитектора Фрэнка Гери формирует пространство вокруг и стало визитной карточкой Бильбао. Во-вторых, в музее есть потрясная постоянная экспозиция (самый шик выставка скульптур Ричарда Серры) и прекрасные временные выставки (мы будем говорить сегодня о скульптурах Хоаны Васконселос). Так что всего три недели спустя после моей первой колонки про современное искусство, мы поговорим про него еще. И темой сегодняшнего выпуска будет пространство в современном искусстве. Поехали!
Здание архитектора Фрэнка Гери
Фрэнк Гери построил здание музея в 1997 году и после этого стал суперзвездой. Музей освежил Бильбао культурно и финансово настолько сильно, что создал новый тренд развития городов за счет современной и культовой архитектуры, который так и назвали: эффект Бильбао. За 20 лет с момента открытия музей посетили 20 млн человек (для сравнения в самом Бильбао живет всего 350 000), музей напрямую и косвенно создал 5000 новых рабочих мест и принес 650 млн евро налогов городу.
Вы скорее всего знаете архитектора Гери по его Танцующему дому в Праге. Но вообще за свою карьеру он успел спроектировать много культовых зданий: концертный зал имени Уолта Диснея в Лос Анджелесе, музей дизайна Витра в немецком Вайль-ам-Райне и центр Рэя и Марии Стата в MIT. Гери не относит себя ни к какой архитектурной школе, поэтому жанр его зданий я придумаю сам и назову “постмодернистский деконструктивизм”. Потому что примерно с этого началась его карьера, когда в 1977ом он купил и переделал загородный дом в Санта Монике. Оригинальное здание было построено в 1920ом. Гери разобрал часть стен, обнажив конструктивные слои внутри них, и добавил вокруг здания каркасы абстрактной формы, которые были покрыты стеклом и металлом.
Меня больше всего порадовала история концертного зала имени Уолта Диснея. Он напоминает здание Гуггенхейма тем, что облицован отражающими свет металлическими панелями. Вот только на концертном зале много вогнутых поверхностей, которые по сути являются параболическими зеркалами. Так что здание стало фокусировать свет на соседних строениях и на асфальте и нагревать их до 60 °C. В итоге заказчики пошли к Гери и попросили переделать (а мог бы сделать прототип и потестить до запуска). Студия Гери в итоге придумала решение: обработать часть панелей пескоструйкой, чтобы понизить их отражающий коэффициент.
Фудзико Накая и туман как метафора исчезания
На набережной у музея расположена работа Фудзико Накаи Fog Sculpture #08025 (F.O.G.). (F.O.G. — сокращение от Frank O. Gehry). Каждый час из 1000 маленьких сопел под давлением вырывается вода и образует туман, который накрывает набережную и сам музей. Первый раз я попал на представление абсолютно случай: я вышел на утреннюю пробежку у музея и внезапно над мной поднялся туман и скрыл скульптуру паука впереди, а лучи солнца пробивались сквозь пелену тумана и играли радугой. Тогда мне показалось, что это крутой ход — вынести искусство из музея и сделать частью жизни горожан. Кроме того туман реально меняет настроение происходящего вокруг, обычный город моментально превращается таинственный лес из Властелина Колец.
Фудзико Накая делает инсталляции с туманом с 70х и сама она вкладывает совсем другой смысл в свои работы. Изначально для нее туман — это метафора распада, разложения, исчезания, которые являются неизменной частью органической жизни. Однако по мере работы с формой, Накая заинтересовалась физикой процесса и зависимостью тумана от внешних природных условий. Каждую инсталляцию приходилось много раз тестировать и тщательно настраивать, чтобы учесть температуру, влажность и рельеф конкретного места установки. В этом смысле меня сильнее всего впечатлила ее инсталляция Fog sculpture #94925 в Австралии. В 1982 она установила генератор тумана в пустыне. И за 35 лет вокруг такого необычного источника воды выросла своя экосистема с зеленым лесом.
Ричард Серра и клаустрофобия ржавой стали
На первом этаже Гуггенхейма расположена большая постоянная выставка Ричарда Серры The Matter of Time. Ричард живет в Калифорнии и прославился своими огромными минималистичными скульптурами. Ржавые необработанные стальные листы изгибаются эллипсоидами под разными углами и образуют тоннели и коридоры высотой в несколько метров. Лично мне кажется, что для своих работ Ричард черпал вдохновение в каньонах Аризоны. Несмотря на свою минималистичную простоту, работы Серры произвели на меня максимальное впечатление. Простые изгибы и наклоны вызывают и внезапные приступы клаустрофобии и сюрреалистичное ощущение невозможных углов Эшера и медитативное спокойствие природы. По сути, Серра в своих работах исследует трехмерность пространства вокруг нас и его влияние на восприятие зрителей.
“I consider space to be a material. The articulation of space has come to take precedence over other concerns. I attempt to use sculptural form to make space distinct.” Richard Serra
Своей работой 1981 года Tilted Arc Серра даже немного зашел на территорию перфоманса. Американское правительство заказало его скульптуру для площади Фоли в Нью Йорке. В итоге работа вызвала жаркие дебаты про использование искусства в публичном пространстве и про преобладание функции над формой. Работа представляла собой лист металла 36 метров в длину и 4 в высоту и частично перегораживала площадь, тем самым вынуждая людей взаимодействовать со скульптурой при пересечении площади. В итоге офисные работники из соседних зданий разъярились и собрали 1300 подписей за снесение работы (всего в офисах у площади работало 10 000 человек). Так что в 1985 администрация города устроила трехдневные открытые слушания, где выступил и сам Серра. По результатам слушаний работу решили перенести. Серра с таким подходом не согласился и сказал, что перенос скульптуры в другое место убьет ее художественный смысл и что дуга была сделана специально под площадь Фоли. Все закончилось тем, что в 1989 году администрация города распилила дугу на три куска и увезла на склад, поэтому сам Серра считает работу уничтоженной.
А еще Ричард в этом видео очень вдохновляюще рассказывает, почему он вообще решил заниматься искусством.
Хоана Васконселос собирает объекты из объектов
До 11 ноября в Гуггенхейме можно посмотреть выставку I’m Your Mirror португальской художницы Хоаны Васконселос. Мне показалось, что Хоана нашла отличный прием: собирать крупные скульптуры из мелких одинаковых объектов. В итоге, в каждой работе есть два уровня смыслов, которые дополняют друг друга и задают вопросы зрителю. Например, на титульной работе выставки I’ll Be Your Mirror (смотрите фоточку выше) огромная венецианская маска собрана из зеркал-”кубиков”. Обычно маска скрывает личность человека под ней, и в то же время в каждом зеркале зритель увидит только свое уникальное отражение реальности, одно из многих возможных. По тому же принципу работает и скульптура Marylin, где женские туфли на каблуках собраны из поваренных кастрюль.
Мне же сильнее всего понравилась работа Red Independent Heart, где португальское филигранное сердце Вианы собрано из розовых пластиковых одноразовых вилок. В 17 веке португальский город Виана-ду-Каштелу прославился своей золотой филигранью, украшениями со сложными узорами из тонкой золотой проволоки. Именно в Виане и придумали самый популярный теперь португальский символ сердце Вианы, как образ сердца Христа, которое пылает от любви (отсюда и языки пламени сверху в дизайне). Так что в 17 веке это были ценные украшения ручной работы из одного мастерского города, а теперь это попсовый символ Португалии, который можно купить на любой барахолке. Такая португальская версия матрешки :) Хоана потрясающе воссоздает тонкую филигрань, сплавляя пластиковые вилки как золото 350 лет назад и стирая грань между роскошью и банальностью, между популярной культурой и высоким искусством.
Работы Хоаны можно посмотреть у нее на сайте и в Бильбао (до 11 ноября, помните?).
Ай Вейвей и традиции китайского искусства
Наконец, в Гуггенхейме я успел на последнюю неделю выставки китайского современного искусства Art and China after 1989: Theater of the World. И разумеется, одним из художников на ней был Ай Вейвей с работой Dropping a Han Dynasty Urn. У меня Ай вызывает противоречивые чувства. Во-первых, он пробует делать все подряд, поэтому решают не его объекты, а его жизнь как нон-стоп перформанс. Во-вторых, качество и глубина его работ сильно варьируются, что для меня усложняет восприятие Вейвея как целостного художника.
При этом некоторые его работы меня дико вштырили и я хочу поговорить про две из них: Law of the Journey и Sunflower Seeds, которые увидел на ретроспективе Вейвея в Буэнос Айресе.
Law of the Journey — это большая надувная лодка из пвх с людьми в спасательных жилетах. Я видел ее маленький прототип в Буэнос Айресе (который был уже в два раза выше меня ростом, а в Сиднее Ай показал уже законченную работу, которая пугает и своим масштабом и безликостью черных фигур). Параллельно с созданием инсталляции, Ай посетил 40 лагерей беженцев в 23 разных странах и снял про это душераздирающий документальный фильм Human Flow (по ссылке его можно прямо сейчас посмотреть на ютубе).
Sunflower Seeds поражает своим масштабом и задает непростые вопросы про глобализацию. Вейвей нанял 1600 работников и работниц в Цзиндэчжэне, столице китайского фарфора. За 2,5 года они сделали и вручную раскрасили 100 000 000 фарфоровых семечек. 100 миллионов! Вручную! А потом эти семечки привезли и высыпали на пол в лондонской галерее Тэйт. Мой мозг просто отказывается принимать масштабы ручного труда для производства одного произведения искусства. Подробнее про процесс создания Семечек Подсолнуха рассказывается в завораживающем видео из Tate. Просто посмотрите его.
Короче,
сгоняйте в Гуггенхейм в Бильбао, он потрясный. И спасибо, что дочитали до конца. Если вам понравилось, то подписывайтесь на меня и жмите кнопку аплодисментов :)
